Archivo de enero, 2012


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Enseñar Pintura en el siglo XXI

Siempre he concebido la enseñanza como una acción política y como una función social necesaria para poder contribuir a modificar las ideas preconcebidas, en este caso sobre el arte y la pintura. Desde que comencé mi carrera como docente en la Escuela Nacional de Artes Plásticas hace 16 años, estas concepciones se han ido transformando y enriqueciendo, siempre con la intención de contribuir a la formación de artistas con juicio crítico, independiente y sensible.

La historia de la pintura moderna y contemporánea nos muestra en repetidas ocasiones muertes y renacimientos tanto del cuadro como de los pintores.

Del mismo modo, la educación artística ha generado debates en cuanto a la función social y estética de los objetos artísticos y los artistas mismos.

La pintura se ha re-significado al igual que las sociedades, las concepciones artísticas a partir de la modernidad se han embarcado en una gran travesía de diversidad y cuestionamientos. Parece ser que los límites que definían cada disciplina de las artes visuales se fueron diluyendo, desdibujando y en ocasiones volviéndose a erigir.

Buena parte del arte actual que llamamos contemporáneo es crítico y con tono de denuncia; en los mejores casos apela a consideraciones sociales, morales y/o políticas. Sin embargo, vemos que para esta intención existen medios que resultan más efectivos para transmitir ese tipo de mensajes: el cine indudablemente, el teatro porque acerca físicamente, sin transfer, a la caracterología que asumen los actores. El video, la fotografía de reportaje y aun la fotografía ajena al reportaje, las manifestaciones públicas, etcétera.

Es en buena medida gracias a la liberación de responsabilidad por transmitir algún mensaje social o moral que obtuvieron los pintores desde el siglo XIX, con la aparición de la fotografía como medio fiel a la representación del mundo visible, lo que les permitió transitar con mayor flujo en la construcción de la pintura y las ideas.

Lo que tendríamos que asumir, como dijo en una ocasión Susan Sontag, es que hay buen arte y arte mediocre. La palabra arte no redime de nada y en sus inicios lingüísticos era sinónimo de techné. La techné, o la mano que obedece al intelecto como escribió Miguel Ángel en un soneto, tiende a sustituirse por ingeniosidades que con bastante frecuencia o no son tales, o resultan ininteligibles.

Pero, ¿qué mueve más, la glosa que hace Lucien Freud de Chardin, trasportándolo a los inicios del siglo XXI, o la cama deshecha de Tracy Emin?, se pregunta el estudiante de Artes. ¿Acaso todavía vivimos la época baudeleriana de épater la burgoisie? La moción de épater existe desde la segunda mitad del siglo XIX y sus rediciones actuales, salvo raras excepciones, difícilmente provocan asombro.

Estas son algunas de las premisas a las que se enfrenta, en el mejor de los casos de formación e información, un alumno de la licenciatura en Artes Visuales que vislumbra ser pintor. Considero que para abordar de manera directa la confusión y afrontarla de manera productiva, se requieren cualidades que se tienen que haber forjado precedentemente, lo cual solamente se logra por medio de método y esfuerzo.

El Seminario de Pintura Contemporánea cuenta ya con una tradición de  más de 25 años formando jóvenes pintores en la ENAP, los cuales actualmente se encuentran activos en el medio artístico tanto en México como en el extranjero. En buena medida esto ha sido posible gracias a que  en el transcurso de estos años, se han formulado diversos modelos visuales a la par de una concepción sistémica de la pintura, utilizando diversos métodos para su estudio y práctica. El tercer aspecto, y quizá el más importante, se refiere a los procesos de investigación y creación de la obra; el estudiante-pintor no es un receptor sino un generador de ideas y contenidos en relación a la pintura.

Se ha buscado un método de enseñanza y aprendizaje que, más allá de responder, ayude a preguntarse en la acción misma sobre el qué, el cómo, el porqué y el para qué, vinculados con un recorrido que es fruto de la experiencia personal del joven pintor o pintora.

Existen diversas aproximaciones que se llevan a cabo en el Seminario para el estudio de los procesos pictóricos, como puede ser la perspectiva fenomenológica. ¿Cómo funciona la pintura? ¿Cómo funcionan cada una de sus partes? La mejor manera de comprender esto es en la práctica misma, tratando de dilucidar la relación íntima que se establece entre el artista y su obra durante el proceso de creación de la misma. Proceso doble de creación ya que el artista, cuando crea, se construye y se crea a si mismo.

La noción de un taller- seminario plantea no solamente la producción de un cuerpo de obra personal y su reflexión crítica, además de la tradicional exposición y confrontación de los trabajos se proponen cursos teóricos que ponderan la reflexión sobre la práctica y la creación pictóricas.

Es importante recordar que podemos reflexionar, hablar o debatir sobre pintura, formular todas las teorías que queramos o describirla inteligentemente. Si no surgen de la propia experiencia crean un mayor vacío y confusión. Cuando solamente se le brindan soluciones, el alumno muestra un reconocimiento inmediato, supone una inversión con resultados a corto plazo. Sin embargo, cuando se encuentra en una situación en la que tiene que buscar sus propias soluciones, es necesario realizar un esfuerzo, adquirir un compromiso y tomar determinadas opciones que, por lo general, deben ser rectificadas.

En la educación artística se trabaja en ocasiones en torno a un modelo educativo cuyos fundamentos no se estudian y donde, al cabo de un tiempo, se desarrollan ciertos automatismos que le permiten al estudiante producir obras que pueden tener cierta eficacia social, sin que por ello se inserte en su propia historia. Así, el joven artista habiendo eludido todos los procesos previos de comprensión y de interiorización que comporta cualquier modelo, se encuentra en una vía sin salida.

Queda por proponer entonces una vía alterna que se fundamenta en la construcción de una identidad, de una personalidad artística. Esta opción resulta en principio menos atractiva ya que considera la obra como una consecuencia de dicha construcción por lo que, al dejar de ser la obra el objetivo principal, puede aparecer como una pérdida de eficacia y, por consiguiente, no se suele entender. La obra como producto se presenta de manera más concreta ya que establece la relación directa con el reconocimiento social de la misma. La enseñanza del arte basada exclusivamente en el producto artístico busca un resultado inmediato sin establecer fundamentos.

El aprendizaje resulta de una relación interpersonal en la que cada participante se transforma en sujeto del proceso, en un elemento activo. El estudiante aprende a descubrir por sí mismo y, al incorporar lo que aprende, se transforma. De igual manera, el profesor o profesora debe abandonar sus propias barreras de defensa para entender lo que la experiencia del alumno significa.

En el texto de más de 2000 años, El Arte de la guerra, el general chino Sun Tsu concibe cualquier realidad como un proceso perteneciente a una serie de interacciones y confrontaciones: el manejo del sable, el tiro al arco, la estrategia militar, o la pintura misma. Se refiere, de manera general, al modo de conservar la iniciativa ante cualquier situación de confrontación, partiendo siempre de un profundo conocimiento de la naturaleza humana.

No se aprende a manejar la espada, ni el tiro al arco como una técnica en sí, sino como un conocimiento más amplio sobre la naturaleza humana y sobre el propio control mental que se adquieren confrontándose con lo concreto de una técnica. Esta manera de concebir una práctica determinada, como la pintura, destruye los conflictos que se presentan en cuanto a falsas especializaciones y falsas interdiscipliaridades , para entender que todo se fundamente en un tipo de interacciones que, aprendidas en un campo, pueden ser traducidas en otro, planteando un sistema de transversalidades con una increíble riqueza.

Mtra. Diana Salazar

México D.F. agosto de 2011

PROTOCOLO DE INVESTIGACIÓN PARA INGRESO AL

DOCTORADO EN ARTES Y DISEÑO

ESCUELA NACIONAL DE ARTES PLÁSTICAS

2011

Presenta: Diana Eliza Salazar Méndez

Tutora: Dra. Ma. del Carmen López Rodríguez

Título de la Investigación:

Desarrollo de un Seminario de Pintura Contemporánea. Memoria y propuestas en torno a la enseñanza de la Pintura.

Planteamiento:

Esta investigación surge de la práctica diaria de la pintura; primeramente a través de un trabajo personal, y desde la experiencia como docente de esta disciplina en la Escuela Nacional de Artes Plásticas.  Estos dos aspectos me han llevado a reflexionar, en repetidas ocasiones, sobre la determinación del sentido vocacional y su plena consciencia , necesarios para el desarrollo de cualquier artista en la contemporaneidad.

¿Cómo se pueden formar y fortalecer las bases vocacionales sobre las cuales el joven pintor o pintora pretende desarrollar una vida artística?

La enseñanza de la pintura a nivel profesional no cuenta, en la mayoría de los casos, con sólidas estructuras metodológicas; a excepción de manuales técnicos, revisiones históricas o presentaciones monográficas, los talleres de pintura de muchas universidades en México funcionan de manera orgánica y desenfadada, según las actitudes de los instructores.

No es intención de este proyecto el formular una crítica a las diversas posibilidades didácticas que se presentan actualmente en talleres de pintura, sino proponer posibles direcciones metodológicas que tienen como  intención guiar al estudiante, durante el comienzo de la vida profesional como pintor, en el entendimiento y  la consciencia de la práctica artística.

Objetivos:

Elaborar una propuesta metodológica original dirigida a la didáctica de la pintura a nivel profesional, derivada del desarrollo conceptual y práctico de un Seminario de Pintura Contemporánea.

Proponer una profunda reflexión en cuanto a las condiciones óptimas necesarias, así como adversas,  que se presentan para la práctica de la pintura en la contemporaneidad.

Antecedentes:

El Seminario de Pintura Contemporánea comenzó en esta Escuela hace más de veinte años, como una propuesta para que los alumnos interesados en profesionalizarse como pintores pudieran contar con las condiciones y dirección necesarias para ello. Así, podían acceder a un espacio completamente adecuado como estudios personales, y al mismo tiempo estar inmersos en debates y opiniones acerca de su obra, ya fuera de manera grupal o con los demás compañeros.  De manera paralela al desarrollo de una producción de obra personal, el Seminario se planteó como tal, debido a las sesiones de trabajo en torno a la exposición, debate y estudio de aspectos propios y derivados de la pintura, las cuales se desarrollaban de manera grupal bajo la guía y coordinación del maestro. Los planteamientos, así como las bases didácticas del Seminario, se encuentran desarticulados y en desorden. La primera parte de esta investigación propone dar un sentido y ordenamiento metodológico

No existen propiamente antecedentes en cuanto a una metodología didáctica que contemple los intereses de los jóvenes pintores contemporáneos. Existen manuales técnicos que sirven de guía para resolver aspectos de esta índole, así como textos que refieren a principios compositivos, teorías cromáticas o soluciones plásticas en general. Sin embargo, existen solamente algunos textos que refieran a la práctica de la pintura en un sentido integral e interdependiente entre los factores internos y externos del pintor, los cuales determinan por completo su obra. Estos textos han sido escritos por pintores, Gerhard Richter, Sean Scully, Balthus; que si bien profundizan en aspectos sutiles de los motores de su práctica artística, están expuestos desde la perspectiva del creador, como reflexiones derivadas de sus procesos y experiencias artísticas, y no como una propuesta dirigida a la enseñanza.

Estrategias de Producción y Perspectiva Teórica- Metodológica

Con base en los lineamientos didácticos que se han propuesto en el Seminario de Pintura Contemporánea, considero pertinente que la perspectiva teórica- metodológica de este trabajo atienda a la pintura y su concepción desde los diversos aspectos planteados en un principio por la semiología. Así, desde la consideración del léxico y la sintaxis, hasta los niveles semánticos y pragmáticos de los códigos pictóricos, se pretende concebir y diseñar trabajos dirigidos específicamente para su reflexión y desarrollo dentro de un Seminario.

El resultado de la investigación será un texto sobre la enseñanza de la pintura, así como una exposición itinerante de los trabajos realizados para la investigación.

Estructura Conceptual

La concepción de este trabajo surge de los imprecisos terrenos de la creación artística y las reflexiones en torno a la práctica de la pintura en la contemporaneidad.

Partiendo de los modelos didácticos de la pintura desde finales de la modernidad, se considerarán las posibilidades metodológicas que se han presentado, principalmente en México.

Esquema de Trabajo

Se proponen 25 trabajos que se realizarán en un lapso de 2 años; cada uno será diseñado considerando diversos aspectos y niveles de la pintura que permitan elaborar concepciones estéticas y artísticas individuales, derivadas de la práctica y la reflexión.

De manera paralela, se propone primeramente realizar la primera parte de la investigación, concerniente a los antecedentes históricos de la enseñanza de la pintura, y al desarrollo del Seminario de Pintura Contemporánea.

La segunda parte de la investigación, Propuestas, se presenta en dos apartados: una serie de ensayos reflexivos en relación a  los lugares de la pintura en la contemporaneidad, y los trabajos dirigidos ya mencionados.

Los ensayos reflexivos contarán también con una seria de estadísticas, las cuales serán basadas en encuestas y cuestionarios realizados a estudiantes de pintura a nivel profesional, de distintos puntos de la República. Esto no tiene una intención de señalamiento sino simplemente de diagnóstico que permita ubicar de manera realista algunos aspectos que se consideran importantes en la profesionalización del estudiante de pintura.

ÍNDICE TENTATIVO

MEMORIA

  1. Antecedentes de la enseñanza de la pintura en el México Contemporáneo.

1.1.       Conformación de la licenciatura en Artes Visuales, 1973.

1.2.       Modelos y propuestas didácticas.

1.3.       Diseño de los talleres de Pintura en la ENAP, Xochimilco, 1984.

  1. Diseño del Seminario de Pintura Contemporánea, 1990.

2.1.       Propuestas iniciales

2.2.       Breve memoria histórica de las diversas generaciones del Seminario.

PROPUESTAS

  1. Consideraciones para la propuesta de un modelo para la enseñanza de la Pintura en el siglo XXI.

3.1.       La fractura con la modernidad y sus repercusiones en la difusión de la pintura.

3.2.       El lugar de la pintura en el arte contemporáneo.

3.3.       Consideraciones sobre la influencia de los medios y la tecnología en la práctica de la pintura.

3.4.       El perfil del estudiante de Artes Visuales en la actualidad.

  1. Propuestas didácticas

4.1.       25 trabajos dirigidos para un taller de Pintura.

4.2.       Modelos de investigación en la pintura contemporánea.

4.3.       Dirección  de proyectos a nivel profesional.

  1. Conclusiones

Impacto y contribuciones de la investigación

El resultado de esta investigación pretende dirigirse a estudiantes de pintura a nivel profesional. He tenido la oportunidad de dar cursos y estar en contacto cercano con distintas escuelas de arte a nivel universitario, en varias ciudades de la República.  La mayor parte de las ocasiones me he encontrado en terrenos áridos en cuanto a los modelos didácticos para la pintura, y sobre todo en cuanto a propuestas que ayuden al estudiante para la práctica profesional.

La enseñanza de la pintura no puede solamente limitarse a aspectos técnicos o sintácticos. Considero que es posible brindar una orientación que considere las profundidades de los procesos sensibles y mentales requeridos para la práctica artística.

Bibliografía:

  1. BARR, Alfred Jr., Le peinture moderne, qu´est-ce que c´est? , París, Éditions de la RMN, 1993
  2. ELKINS, James, What Painting is. Chicago, University of Illinois Press, 2004.
  3. _____________ Why art cannot be taught, Chicago, University of Illinois Press, 2001.
  4. RICHTER, Gerhard. The daily practice of painting, selected writings, Cambridge, The MIT Press, 1998.
  5. SCULLY, Sean. Resistance and Persistance, Boston, Cambridge Editions, 2005.